新浪潮“大师论坛”在沪成功举办

本文摘要：侯孝贤岩井俊二讲艺术片：有压力，死不了 6月18日，由新浪娱乐新浪潮主办，第十八届上海国际电影节、上海电影博物馆主办的大师论坛在上海电影博物馆成功举行。台湾编剧侯孝贤、日本编剧岩井俊二、法国影评人让-米歇尔付东，三位有为创作之道的资深电影人共聚一堂，揭露了本届新浪潮大师论坛的序幕，谈及艺术电影的失望现状及不得而知未来。 预示着商业市场和互联网的蓬勃发展，我们更加习惯呼喊以致于十亿二十亿的票房口号，习惯用蛮横的数字来打量一件艺术品的胜败，习惯沦为指点江山激扬文字的产业人。

侯孝贤岩井俊二讲艺术片：有压力，死不了　　6月18日，由新浪娱乐新浪潮主办，第十八届上海国际电影节、上海电影博物馆主办的大师论坛在上海电影博物馆成功举行。台湾编剧侯孝贤、日本编剧岩井俊二、法国影评人让-米歇尔付东，三位有为创作之道的资深电影人共聚一堂，揭露了本届新浪潮大师论坛的序幕，谈及艺术电影的失望现状及不得而知未来。

预示着商业市场和互联网的蓬勃发展，我们更加习惯呼喊以致于十亿二十亿的票房口号，习惯用蛮横的数字来打量一件艺术品的胜败，习惯沦为指点江山激扬文字的产业人。　　可电影好比是一门做生意，它本来可以和那些杰出的诗歌、绘画、小说、舞蹈一样，是一件永垂史册的艺术品。票房、市场、互联网、IP、大数据当你渐渐厌烦了这些高频词，我们否应当椅子来，忘记数字，忘记市场，静静追溯一段只牵涉到艺术的全然时光？　　今天的新浪潮，我们不讲做生意，我们只讲电影。

艺术电影已杀 未来将与商业并存　　谈及艺术电影在世界影坛中的方位，侯孝贤编剧第一句话之后语出惊人：现在还讲艺术电影？艺术电影早已死翘翘了，现在只回到电影学校和研究者身上。侯孝贤指出，确实的影像和文字一样，要有一定深度才讫，深度就在字里行间。一般的电影影像大多只是息，就是要结构息导致戏剧性，让观众迅速解读，但当你把电影当作一个很最重要的艺术形式的时候，处置方法就不会不一样。　　侯孝贤首先谈及胶片和数字的区别，底片跟目前所谓的数位只不过差异十分大，一个是物理的，一个是化学的，底片必须化学变化，不会有各种表现手法的颜色。

他谈自己的新片《聂隐娘》花上了一大笔钱拍电影胶片，但是因为没有地方敲胶片，不能再行转换成数字处置，转完质感都不该了，我一定脑子丢弃了才多此一举，侯孝贤说道。他还透漏，今后自己能否之后坚决胶片创作还很差说道，因为胶片要多出很多花销；数字与胶片摄制法则几乎有所不同，必须一段时间来测试和适应环境。　　侯孝贤更进一步谈及，编剧一定要对其他艺术形式也有所理解和热衷，才能拍电影出有电影的深度。

有时候我们不心态拍电影到（一些东西），它不是绝对性或机械性的，而是人文的。你要电影拍电影得好，坦白讲你有可能对小说也是十分钟爱，各种艺术的载体有可能你都讨厌，都有一种理解的直觉，懂喜爱，这个我感觉必须自小培育。

《聂隐娘》全片台词都是文言文，如果不是侯孝贤自小读书古书长大，难道是拍电影不出来的。　　岩井俊二编剧则回应，日本也是娱乐性电影较为赚，而艺术电影不过于赚钱，所以艺术电影的支出方面也是十分克扣，编剧们也做到得很艰辛，这个状况50年来基本上都没转变。不过他还是对艺术电影的持悲观态度，因为艺术性和娱乐性既然早已在艺术中并存了千年，未来也仍然不会很好地融合下去。

　　前《电影手册》总编让-米歇尔付东称之为，十年前中国有贾樟柯、王兵等卓越的艺术电影编剧兴起，但惜近十年内，或许没过于多的新发现。中国电影经济在过去十年内迅猛发展，可以说道是世界上最不具活力的电影经济，但这里显然不存在问题。我也赞成岩井的意见，把艺术和商业几乎混杂是不该的。过去我们用毛笔、钢笔去书写，但是并无法让每个人都沦为作家，现在的数码科技也是如此。

付东得出的建议与侯孝贤完全一致，他指出艺术教育很最重要，要希望创作者百花齐放，而不要生产标准化产品。　　互联网带给机遇与后遗症 法国艺术片有成熟期体系维护　　谈及创作艺术电影的明确后遗症，侯孝贤回应，由于自己是单干户，自己投钱自己拍电影自己买，所以尽管有相当大资金压力，但还是可以存活下去的，还死不了。他更加忧虑的是播出系统的改变，以前都是电影院，现在各种各样极快的平台兴起，连小孙女都会用手机去找视频看，很难想象未来不会将影像推向什么方向。

我期望一个编剧死后入棺材，每一百年一起一次，看一看那天的报纸就符合了我仅次于的心愿是每一百年一起看一下当天的电影，侯孝贤笑着回应。　　侯孝贤的《聂隐娘》十年磨一剑，岩井俊二的《花上与爱丽丝》动画版某种程度在电影版问世后十年方才问世。岩井俊二讲解，在日本，宣传费用有可能比制作资金更加多，《花上与爱丽丝》电影版某种程度问世容易。现在互联网急遽发展，建构了空前便捷的交流环境，但知道不会引导往好还是往怕的发展。

　　付东讲解了法国的电影体系。法国之所以能沦为艺术电影的良性土壤，是因为法国早已有一套运营了60年的成熟期体系，能把有所不同的电影联系在一起。

艺术片和商业片的投资是在所有电影的收益中再行分配的，让不赚的电影也能成功拍出来。他荐了个例子，戛纳获奖片《廷巴克图》虽是法国制作，但是编剧来自毛里塔尼亚，若不是倚赖合理的体制，这部电影有可能就会问世。付东对互联网播出并不寄予厚望，他指出只有大银幕首映才是电影确实的内涵和优势，其观影感觉是任何科技都仿造没法的。但同时也须否认，互联网让更加多人能看见好的电影，增大了艺术电影的流传力度。

　　政府和媒体有宣传责任 创作显然秘诀是重返生活　　侯孝贤在做到金马奖主席期曾成立金马奖电影学院，培育出有了很多新的编剧。在谈及环境和体制不应如何鼓舞艺术电影、艺术电影编剧时，三位嘉宾也公开发表了自己的观点。　　侯孝贤称之为，以前台湾也辩论过，否能从每张卖出去的电影票里取出5或10元，统一用作创作补贴，但经过种种论证之后找到无法构建。

影院依然很强势，大银幕和手机、电脑等小屏幕首映各有各的前景，影像和文字一样，总有一天会消失，只是形式再次发生了更替而已。　　日本方面的情况是，日本政府的文化厅在电影制作酬劳方面不会给10%的反对，不会给编剧减低一些压力。日本的问题是在电影创作与政治之间缺少能交流双方的人才，日本政府很想要在世界上宣传日本电影，但仍然没很好的办法。

但从另一个视角来说，权利的创作环境可以防止电影沦为政府舆论工具，也许又是一件好事。　　付东以3D为事例，回应新的形式也可以经常出现创意，3D某种程度是商业大片的自由选择，艺术片也可以用3D摄制。

艺术电影应当更为希望尝试用有所不同的方法来展开摄制制作，而媒体也有责任去宣传和注目这类电影。　　侯孝贤共享了影像创作的显然秘诀，就是把眼光敲返日常生活里去：你们拍电影专访时都旗号小灯，把我们像小饼一样烤着，不打灯会怎么样呢？超越惯例可能会更加有意思。用手机也可以沦为影像大师，你可以拍电影家庭、朋友、小孩，捕猎他们生活的形态，每个人都可以沦为很好的编剧。你以为投资钱的人那么大方？他看你第一眼就告诉你能行的吗？有的时候拍片，他早已有名了换另外一个新的编剧，后面车站了多少编剧你告诉吗？制片人去找的，一群编剧都盯着，盯着怎么拍电影呢？不要拍电影理所当然的东西，你可以一部分捕捉到生活的现实部分，一部分你可以决定，怎么决定是学问，你要有这方面的希望。

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